terça-feira, 13 de maio de 2014

Festival O Boticário na Dança: E aí?

Cartaz das ações do Festival | Crédito: Reprodução
Ao fim dos seis dias do Festival O Boticário na Dança, realizado entre 29 de abril e 4 de maio, no Auditório Ibirapuera, em São Paulo surge uma pergunta: e aí?

A segunda edição do evento, iniciado no ano passado como parte de uma nova plataforma de marketing da maior empresa de cosméticos do país, trouxe dessa vez quatro companhias estrangeiras e uma brasileira. Passado o oba-oba em torno do festival, mais turbinado de cobertura social do que artística, a sensação é de que faltou o que poderia se chamar de uma grande novidade, um trabalho inovador, propositivo e até incômodo dentro do universo da dança contemporânea. 

Veja bem: a qualidade do que foi apresentado não está em questão. Todas as produções mereciam a amplitude daquele palco e a casa lotada que tiveram. A opção de trazer espetáculos de grande porte também é louvável já que é raro ver em um curto espaço de tempo uma série de trabalhos internacionais desse tipo por dificuldades logísticas e financeiras. Devido à natureza da empresa patrocinadora, convencionou-se desde o ano passado que os curadores Sheyla Costa e Dieter Jaenicke teriam como norte a escolha de trabalhos que traduzissem "beleza em movimento". O que ficou claro agora é que, no fundo, isso não diz nada enquanto eixo curatorial. A seleção das obras foi apenas “ok”, sem uma articulação clara umas com as outras - algo que se espera de um Festival.   
 
O maior problema em relação a isso é que há dinheiro público demais envolvido no empreendimento para que elementos como esses não sejam lembrados numa avaliação. Não torço o nariz para o fato de a dança, eterna “prima pobre das artes”, tenha um momento ostentação, com dinheiro e luxo para realizar suas ações com conforto e a mesma produção refinada dos grandes festivais de rock. Vivemos na era da imagem, e acho que o investimento em publicidade e a manutenção do preço popular dos ingressos, a R$ 20, até tem seu papel na conquista de novos públicos no mundo de hoje, principalmente os mais preconceituosos com a dança contemporânea, desde que seja constante, ao longo de todo o ano. O que me incomoda em todo esse auê, na verdade, é a falta de legado real de um projeto comandado basicamente por um departamento de marketing. A despeito de todo o programa que o Boticário empreende em relação à dança, o que ficaria de herança para essa linguagem no Brasil se o Festival se extinguisse hoje, num mundo em que a informação circula bem mais facilmente do que naquele em que o Carlton Dance foi um estouro, nos anos 1980 e 1990?
 
Acredito que ele já ajudaria bastante se fizesse o espectador neófito aprender não ser possível entrar na sala de espetáculos depois de o espetáculo começar. Só que não. O vai e vem de gente em busca de lugares marcados foi constante em todos os dias até 20 minutos depois de iniciados os trabalhos – um desrespeito para quem chegou na hora e, mais ainda, para os artistas (ou vocês acham que eles não percebem essa movimentação de cima do palco?). O forte viés midiático do evento também é um problema em certa medida. Nunca pensei que reclamaria de uma cobertura ostensiva de imprensa para a dança, mas, neste caso, ela também incomodou, com um batalhão de fotógrafos quebrando climas e imersões nas obras ao fazerem “clique, clique” em momentos sensíveis dos trabalhos, com as telinhas de LCD de seus equipamentos emitindo brilho e desviando o foco do palco.   

Há ainda lacunas no caráter formativo. Com a enorme estrutura da qual o Festival dispõe, é risível que não promova cursos verdadeiramente substanciais com os artistas convidados. Workshops de 1h30, como os realizados agora e no ano passado, são apenas um fingimento de que algo está sendo deixado para os artistas locais. Até o Festival de Joinville, voltado para escolas, já percebeu isso e há mais de 15 anos tem uma programação de cursos de pelo menos uma semana de duração.

Por ser um festival jovem, com recursos e dispor ainda de uma forte vontade de realização por parte da empresa patrocinadora, O Boticário na Dança tem tudo para rever suas ações, evitar calcificar vícios e realmente imprimir sua marca no cenário dessa linguagem no país. Basta querer.


Todo mundo tá feliz nas imagens publicitárias do Festival O Boticário na Dança | Crédito: Reprodução

sexta-feira, 9 de maio de 2014

Festival O Boticário na Dança: Dia a dia

Companhia de Akram Kahn em "iTMOi" |
Crédito: John Ross/Divulgação
Akram Khan
29/4 - Auditório Ibirapuera
"iTMOi" (2013)
Com seu “iTMOi” (sigla em inglês para “Na mente de Igor”), o inglês Akram Khan criou um trabalho estranhamente mais narrativo do que se esperaria de qualquer produção contemporânea. A escolha do título – uma referência ao que teria se passado na cabeça do compositor Igor Stravinski (1882-1971) ao compor “A Sagração da Primavera” – e a opção por designar personagens em cena, pinçados de seu elenco multicultural (e de fazer a baba escorrer pela boca de tão bom), reforçam a criação de uma historinha por parte do público, por mais que ela não seja linear. A estratégia parece ter funcionado, já que o comentário geral o apontou como o espetáculo que mais agradou dos cinco dias do Festival. Mas, justamente por incitar possíveis histórias, Khan acaba deixando lacunas ao abandoná-las pelo meio do caminho.

Os dilemas da criação de uma obra tão vocacionada a romper paradigmas quanto a “Sagração” são deixados de lado em prol de uma releitura do tema do ritual e do sacrifício motivador da trilha original. Ou seja, por mais que não faça uso da música do compositor russo (que aparece apenas como citação no final da peça), Khan acaba repetindo os mesmos passos de todos os coreógrafos que já criaram suas próprias versões da “Sagração”. O que ele tem a mostrar de diferente é sua técnica, que dá uma nova roupagem de sentidos ao kathak indiano ao abordá-lo por um viés contemporâneo, e um claro domínio cenográfico que seduz e até dá a sensação de que há uma dramaturgia bem costurada por trás quando, na verdade, não há. À parte a história do sacrifício, o melhor está no final, quando o palco é tomado apenas por um casal com malhas cor da pele perturbado por uma bola de metal que ronda sobre eles. Ali estão Adão e Eva, a criação à imagem e semelhança do criador, cujo pecado capital foi, no fundo, cometer uma grande ousadia. É uma imagem forte, que provoca enfim um lampejo de uma possível tradução do que teria se passado na mente do compositor.


Louise Lecavalier (Canadá)
Bailarina apresenta vigor em "So Blue" |
Crédito: André Cornellieur/Divulgação
30/4 - Auditório Ibirapuera
"So Blue" (2012)
A peça de autoria da ex-La La La Human Steps Louise Lecavalier é um trabalho de fôlego. Quase não há pausas nos 60 minutos do primeiro trabalho autoral da bailarina canadense. No palco, seus 55 anos se passam facilmente por 25 tamanho o vigor que ela apresenta. É uma obra sobre a busca do movimento total e a paixão inexplicável de dispor integralmente do corpo para tal feito, quase como uma vocação religiosa. O resultado pode até ser frouxo do ponto de vista dramatúrgico, mas é compensado justamente pela maturidade cênica de Lecavalier, que cresce ainda mais quando ela passa do solo ao duo com o bailarino Frédéric Tavernini. Há aí um interessante diálogo de contraste, já que ela subverte sua figura pequena e aparentemente frágil e apresenta uma força maior que a do grandalhão barbudo com quem divide a cena. “So Blue” é o início promissor de uma trajetória como coreógrafa que vamos querer acompanhar de perto.


Cena de "4", criação de Tao Ye | Crédito: Fan Xi/Divulgação
Tao Dance Theater (China)
1o/5 - Auditório Ibirapuera
"4" (?) e "5" (2013)
Maior incógnita do festival, a novíssima companhia chinesa Tao Dance Theater, criada em 2008 por Tao Ye, fez uma apresentação digna com suas duas coreografias, “4” e “5”, e se revelou como a maior novidade do evento. O mote da primeira era “como criar uma coreografia em que nenhum dos bailarinos se toca?”. Ora, os mestres dos corpos de baile dos balés de repertório já haviam respondido essa pergunta séculos atrás. O que há de interessante no trabalho – e que dialoga com a segunda peça da noite – é uma discussão sobre individualidade. Em “4”, nenhum dos quatro bailarinos tem rosto. Todos estão mascarados, dançam os mesmos passos e se deslocam pelo espaço na formação de um quadrado, minutos a fio, sob uma luz chapada, dando a sensação de um espelho infinito. A força desse movimento uníssono se esvai em alguns momentos dada a falta de sincronia entre eles. Lá pelas tantas, no entanto, percebe-se que os movimentos supostamente idênticos entre eles não eram tão idênticos assim. Pequenas alterações de cada um dentro daquele moto-contínuo são a declaração de que ali há um indivíduo, e não apenas uma massa.

Já em “5”, Tao exige um outro tempo do nosso olhar acelerado pelo mundo cotidiano e provoca uma hipnose no público ao colocar todos os cinco bailarinos em cena para se transformarem em uma massa única, deslocando-se pelo palco em movimentos extremamente lentos e arrastados pelo chão. Há um quê de monstruoso nesse ser com um só tronco, mas repleto de pernas e braços, que se movimenta sem rumo e se refaz continuamente . A problemática da peça anterior se apresenta sob uma nova perspectiva. Se antes se discutia a impossibilidade de um conjunto de individualidades ser completamente uniforme, agora se evidenciam as deformidades resultantes de uma uniformização.


Bailarinos da Focus em "Ímpar" | Crédito: Divulgação
Focus Cia. de Dança
2/5 - Auditório Ibirapuera
"Ímpar" (2010)
Única representante brasileira em um festival focado em exaltar a dança feita lá fora, “Ímpar” mostrou o elenco da carioca Focus Cia. de Dança em sua melhor forma. É estranho ver esse trabalho de 2010 apenas agora, depois do grupo ter criado um sucesso de massa com “As Canções que Você Dançou para Mim” (2012). “Ímpar” é um trabalho formalista. Sua pretensão está em si mesmo, na criação e no apuro da qualidade do movimento. Alex Neoral demonstra seu potencial coreográfico no trabalho e se vale de uma boa sacada dramatúrgica ao brincar com flashfowards e flashbacks e fazer o público se pegar tentando montar na cabeça o que seria uma ordem cronológica do espetáculo. Assim, ele subverte noções como as de começo, meio e fim, propondo um desenrolar narrativo que evidencia a importância de todas as cenas apresentadas para a construção da obra. O que está em questão é uma discussão sobre o tempo: no fundo, nunca há uma ordem "certa" para os acontecimentos, e é salutar que "Ímpar" consiga levantar o tema de forma simples e eficiente.


Batsheva Ensemble tem bailarinos com idades
entre 18 e 27 anos | Crédito: Gadi Dagon/Divulgação
Batsheva Ensemble
3/5 - Auditório Ibirapuera
"Decadance" (2000)
Após uma semana equilibrada, o festival escolheu encerrar justamente com o trabalho mais fraco. “Decadance” é um pout-pourri do que o coreógrafo israelense Ohad Naharin considera como seus melhores momentos. O tipo de trabalho desenvolvido por ele, com sua vigorosa e contagiante linguagem Gaga, não é exatamente uma novidade por aqui. Seu grupo, o Batsheva Dance Company, já fez turnês na capital paulista e até mesmo o Balé da Cidade já dançou suas criações. Uma peça que funciona como demonstração, e não como um trabalho em si mesmo, pouco acrescenta à formação de um público de dança. Isso piora quando o “Decadance” apresentado em São Paulo é encenado pelo Batsheva Ensemble, o braço jovem da companhia, com bailarinos entre 18 e 27 anos. A falta de unidade no trabalho deixa ainda mais evidente a pouca maturidade do elenco para sustentar os segmentos apresentados. O final escolhido, retirado do potente início da peça “Minus 16” (1999), deixa isso bem claro. A peça foi dançada na íntegra na cidade no ano passado, pela Alvin Ailey Dance Theater. Quando uma companhia de fora consegue dar mais densidade a um trabalho do que a companhia de seu criador, parece haver um problema.

quarta-feira, 7 de maio de 2014

Dança se espalha por São Paulo na Virada!

O que será que a massa que ocupará o Anhangabaú  vai achar de
"Cantata", do Balé da Cidade?  | Crédito: Sylvia Masini/Divulgação
Depois de ficar confinada na Praça das Artes no ano passado, a dança chega com tudo na Virada Cultural 2014 em um palco exclusivo no Vale do Anhangabaú. A partir das 18h de sábado, serão 24 horas seguidas de todo tipo de linguagem de movimento, em espetáculos selecionados por Iracity Cardoso, diretora artística do Balé da Cidade. Não sendo suficiente, dessa vez a dança também se espalha em intervenções pelo centro da cidade e ganha até uma mostra daqueles filmes óbvios que a gente adora no Cine Olido. Aproveitei e reuni também o que a Rede Sesc vai fazer para dar tempo de cada um montar o quebra-cabeça de sua programação. Os itens destacados são algumas das minhas apostas (infelizmente ainda não dá para estar em dois lugares ao mesmo tempo). Ah! E É TUDO DE GRAÇA!  

Palco Vale do Anhangabaú
19h – Acts of Lights e Valsa do Abraço - Escola de Dança de São Paulo
20h – Sem Passagem - Cia Experimental Kahal
21h30 – O Cisne- Ana Botafogo e Luis Arrieta
22h – Abrupto e Cantata - Balé da Cidade de São Paulo
23h30 – El Indiano - David Morales
1h – O Bilhete - Marcia Milhazes Cia de Dança
1h30 – O Som do Movimento - Frank Ejara
2h30 – No Singular - Quasar Cia de Dança
4h – Stardust - Silenciosas + GT’aime
5h30 – Do Soul ao Hip Hip - Nelson Triunfo
6h30 – O Animal Mais Forte do Mundo - Cia Ângelo Madureira e Ana Catarina Vieira
9h30 – África em Nó(s) - Cia Abayomi
12h – Luceros Dança Toninho Ferragutti - Grupo Luceros Arte Flamenco
13h30 – Por Um Fio - Gupo Experimental Mimulus
16h30 – Travessia - Grupo Grial


Palácio da Justiça
23h30 – Contorno, Site Specific Dança, Video e Moda - Rafael Gomes e Vinicius Cardoso

2h – Contorno, Site Specific Dança, Video e Moda - Rafael Gomes e Vinicius Cardoso
19h – Contorno, Site Specific Dança, Video e Moda - Rafael Gomes e Vinicius Cardoso

Viaduto do Chá
8h – Balões Vermelhos - Etra Cia de Dança

Viaduto Santa Ifigênia
10h30 – Espaços Invisíveis - Cia Damas em Trânsito e o Bucaneiros


Anhangabaú – Dança
15h – Corpos de Passagem - GRUA Gentlemen na Rua


Vitrine da Dança - Galeria Olido
24h – Virada de Dança de Salão


Copan
24h – Ônibus da Dança


Centro Cultural São Paulo
16h – Balões Vermelhos - Etra Cia de Dança 


Cine Olido - Mostra Baila Comigo
18h - Os Embalos de Sábado à Noite (Saturday Night Fever) - 1978. Dir: John Badham
20h15 - Footloose - Ritmo Louco (Footloose) - 1981. Dir: Herbert Ross
22h15 - Flashdance (Flashdance) - 1983. Dir: Adrian Lyne
0h15 - Dirty Dancing - Ritmo Quente (Dirty Dancing) - 1987. Dir: Emile Ardolino
2h15 - Perfeição (Perfect) - 1985. Dir: James Bridges
4h30 - O Sol da Meia-Noite (White Nights) - 1985. Dir: Taylor Hackford
7h - Moonwalker (Moonwalker) - 1988. Dir: Jerry Kramer, Colin Chilvers, Jim Blashield
9h - Os Embalos de Sábado Continuam (Staying Alive) - 1983. Dir: Sylvester Stallone
11h - Fama (Fame) - 1980. Dir: Alan Parker
13h30 - Breakin - 1984. Dir: Joel Silberg
15h15 - Entre Nessa Dança - Hip Hop no Pedaço (You Got Served) - 2004. Dir: Chris Stokes
17h15 - O Poder do Ritmo (Stomp the yard) - 2007. Dir: Sylvain White


Sesc Santana
19h30 - Tá Limpo - Coreografia de Niels Storm Robitzky e direção de Frank Ejara
20h - Organoides - Núcleo Maya Lila
20h30 - Ori Jam! - Morena Nascimento e grupo
21h30 - Organoides - Núcleo Maya Lila
22h30 - Tá Limpo - Coreografia de Niels Storm Robitzky e direção de Frank Ejara
16h30 - Organoides - Núcleo Maya Lila  

Sesc Ipiranga
20h15 - Puntear - Cia. Damas em Trânsito e os Bucaneiros 
23h30 - Jam 1MM - Cristian Duarte
1h30 - Jam 1MM - Cristian Duarte
14h - Jam 1MM - Cristian Duarte

Sesc Belenzinho
20h - Baderna - Núcleo Luis Ferron *
23h - Nelson Triunfo 
17h - Baderna - Núcleo Luis Ferron *

Sesc Bom Retiro 
0h - Tempo - T.F.Style Cia. de Dança

Sesc Vila Mariana
19h - 100 Gestos - Cia. Dani Lima *
0h - Sobre Expectativas e Promessas - Grupo Cena 11 Cia. de Dança*
15h - Sobre Expectativas e Promessas - Cena 11 Cia. de Dança *

*Orientações para retirada de ingressos da Rede Sesc na Virada Cultural 2014:
- A retirada de ingressos será somente nas bilheterias da Rede Sesc e terá início a partir das 17h do sábado (17/05);
- Cada pessoa poderá retirar dois ingressos por apresentação, para até três apresentações diferentes, desde que os horários não coincidam;
- Para os espetáculos de Teatro Infantil cada pessoa poderá retirar até quatro ingressos por apresentação, para até três apresentações diferentes, desde que os horários não coincidam;
- Para agilizar o atendimento os ingressos numerados serão distribuídos em ordem crescente, sem possibilidade da escolha do lugar.